Tag Archives: 2016

Headshot (2016) – A Tremendous Shots of Empty Shells

Iko Uwais melawan Julie Estelle dan Very Tri Yulisman, aksi bela diri yang brutal, serta tone film yang cenderung gelap dan penuh ketegangan. Rasanya sangat tidak mungkin untuk tidak membandingkan film yang disutradarai oleh Kimo Stamboel dan Timo Tjahjanto ini dengan The Raid 1 & 2 yang notabene menjadi pedoman dalam film aksi modern Indonesia. Mengingat Iko, Julie, dan Very juga sempat terlibat di dua project The Raid besutan Gareth Evans tersebut, penonton awam seperti saya akan otomatis bertanya-tanya, “Apa bedanya Headshot dengan The Raid?” dan sesungguhnya jika mempertimbangkan ketiga unsur yang telah saya sebutkan di atas, itu adalah pertanyaan yang tidak bisa disalahkan. Mengapa pula menghadirkan tiga aktor serupa ke dalam film aksi dengan warna dan rasa yang sama namun tidak ada kaitan cerita sama sekali dengan film sebelumnya?

Seorang pria misterius (dibintangi oleh Iko Uwais) terbangun di sebuah rumah sakit, tidak mengingat siapa namanya dan apa yang terjadi pada dirinya. Di sampingnya, seorang dokter-dokteran kawaii bernama Ailin (diperankan  oleh Chelsea Islan) menemaninya dengan sabar dan penuh kasih sayang, meskipun ia tidak tahu siapa lelaki itu sebelumnya dan apa yang telah ia perbuat. Ailin menamainya Ishmael, berdasarkan karakter yang ia temukan di novel Moby Dick yang ia baca saat menunggui pria itu sadar. Serangan demi serangan menimpa mereka tanpa alasan yang jelas, Ailin disandera oleh segerombolan orang yang mencari Ishmael, dan Ishmael harus mencari tahu tentang siapa sebenarnya dirinya dan menyelamatkan Ailin dari cengkeraman pria bernama Lee (diperankan oleh Sunny Pang) sebelum semuanya terlambat.

Sebagai film yang serupa tapi tak sama dengan The Raid ini, Headshot tidak menawarkan banyak hal-hal baru. Malah, bagi saya, film ini terasa seperti sebuah The Raid dengan plot Bourne-ish yang kurang detail. Tidak ada kejutan yang besar ataupun plot twist yang mindblowing dalam film ini, jadi jangan berharap terlalu banyak, karena semua akan mudah kalian tebak bahkan saat kalian baru sampai di pertengahan babak kedua film. Oke, beberapa adegan seperti bus on fire scene dan police station raiding scene cukup inovatif, menegangkan, dan menghibur di mata penonton umum, namun jika kamu penggemar film-film aksi Jepang dan Korea Selatan (terutama karya-karya Takashi Miike, Park Chan-wook, dan Kim Jee-woon) semua akan terasa seperti deja vu yang diwarnai dengan sekuens kamera yang terlalu sering berotasi mengelilingi para petarung saat sedang serius baku hantam. Take one shot of whiskey every time the camera starts to rotate, and you will get hopelessly wasted at the end of the film.

Dosa terbesar The Mo Brothers di film ini adalah: memberikan peran Ailin, the damsel-in-distress, kawaii-oriented doctor, pada Chelsea Islan. Awalnya saya berpikir ia akan berlaga sebagai dokter cantik yang ternyata memiliki kemampuan bela diri sehebat Iko Uwais, sehingga mereka bisa saling tandem, mengingat track-record Chelsea yang selalu berhasil memerankan gadis petarung yang tangguh, cerdas, dan independen (Merry Riana: Mimpi Sejuta Dolar, 3Srikandi, Di Balik 98). Ternyata saya salah, dan saya kecewa teramat besar saat mengetahui bahwa potensi terbaik Chelsea disia-siakan di film ini. Saya jadi tidak habis pikir, banyak aktris-aktris kualitas sinetron yang bisa mereka berikan kesempatan lebih untuk tampil di sebuah film bergengsi yang ditayangkan di banyak festival film mancanegara ini dengan memerankan karakter Ailin. Sungguh, mereka akan dengan lebih mudah menyatu dengan persona yang dibutuhkan, karena sejujurnya memang penulisan dan pembangunan karakternya secetek itu. Chelsea Islan memang harus diakui mempunyai fitur penampilan yang kawai: kulit putih mulus, rambut lurus, wajah cantik dan lucu, apalagi jika dipakaikan kacamata. Namun dengarkan saja suaranya yang tegas dan rasakan persona yang keluar dengan kuat saat ia berbicara, maka kamu akan menyadari bahwa kamu bahkan jauh lebih cerdas dari pada produser dan sutradara yang memilih Chelsea sebagai Ailin.

Jika kamu sudah menonton trailernya dan menyangka bahwa ada suatu kesalahan fatal dalam karakter Ailin, maka percayalah prasangka kamu benar adanya.

Tentu ada beberapa aspek dalam film ini yang patut kita puji, seperti penggunaan koreografi aksi sebagai medium dalam menyampaikan emotional connection yang terjadi pada tiap-tiap dari mereka yang bertarung. Tiga sekuens pertarungan terakhir (Besi, Rika, dan Lee) cukup efisien bercerita tentang latar belakang emosional para tokoh antagonis dengan Ishmael lewat jurus-jurus yang dikeluarkan, ekspresi wajah, serta dialog yang sangat minimalis. Cukup mengesankan, mengingatkan kita dengan film-film laga Bruce Lee dan Jackie Chan. Yak, betul, sekali lagi jangan mengharapkan ada sesuatu yang otentik dan segar dalam film ini, karena meskipun Headshot dieksekusi dengan maksimal dan punya production value yang terlihat megah, semuanya hanya pengulangan yang terlalu sering diulang-ulang.

Film aksi memang seharusnya memberikan penekanan pada skenario-skenario yang memacu adrenalin, namun dengan premis film yang terlalu banal dan banyak lubang serta ketidaksempurnaan pada keutuhan logika plot dan karakter, Headshot lebih terasa sebagai rangkaian koreografi bela diri yang repetitif dan predictable dengan dibumbui percintaan unyu-unyu. Bukan sebagai sebagai cerita yang utuh, otentik, segar, kontekstual, dan menyentuh.

Distopiana’s Rating: 2 out of 5.

The Big Five Mainstream Horrors of Early 2016: Short Review

Bagi kita, mungkin mudah sekali merasa takut sekaligus terlibat secara emosional saat menonton film horor yang baik. Kenyataannya, bagi para produsen film, horor adalah sebuah genre yang menuntut keahlian serta kepekaan ekstra dalam pembuatannya. Mengapa? Karena mayoritas film horor dibuat dengan bujet yang sangat terbatas, namun hampir selalu berhasil untuk menghasilkan keuntungan Box Office berkali-kali lipat, kadang tidak peduli seberapa buruk kualitas film tersebut. Ambil saja contoh kasus Annabelle. Film yang hanya mendapatkan rating 29% di Rotten Tomatoes (karena, yah, memang jelek) ini mendapatkan keuntungan worldwide yang bombastis ($256,873,813) dibandingkan bujetnya yang hanya berkisar $6.5 juta. Keuntungan ini tentunya juga dibantu dari kesuksesan The Conjuring sebelumnya yang mendapatkan keuntungan worldwide $318 Juta dari bujet $20 juta. Inilah yang membuat saya merasa bahwa para produsen film horor patut diberikan apresiasi lebih. Mereka mampu memanfaatkan keterbatasan untuk menciptakan ilusi realita yang maksimal.

Lewat artikel ini, saya ingin mengulas, mengapresiasi, serta mendiskusikan lima film horor mainstream dari awal tahun 2016 sampai artikel ini selesai ditulis.

1. The Conjuring 2, directed by James Wan.

Production Budget: $40,000,000
Worldwide Box Offfice: $320,070,008 (est. 19/09/2016)

Seperti film-film yang sebelumnya disutradarai James Wan, The Conjuring 2 adalah sebuah film yang sangat menyenangkan, terutama bila kamu menontonnya bersama keluargamu atau dengan temanmu yang orangnya kagetan. Premis ‘haunted family in a haunted house’ yang sudah sangat familiar di ranah film-film bergenre horor ini dikemas dengan treatment cerita yang lebih berorientasi pada anak-anak dan keluarga sehingga atmosfer film tidak melulu gelap, namun juga hangat dan penuh kasih sayang. Adegan saat Ed Lorraine (diperankan oleh Patrick Wilson) menyanyikan tembang “Can’t Help Falling in Love” dari Elvis Presley sambil bermain gitar di depan keluarga Hodgson adalah salah satu contoh kehangatan yang jarang kita temukan dari film-film horor modern kebanyakan. Tidak hanya itu, semua jump-scare yang terdapat dalam film pun ini dilakukan dengan crafting yang solid dan segar sehingga tepat sasaran dalam membuat para penonton berteriak kencang tanpa harus mempertanyakan relevansinya dengan logika cerita (that Nun-in-the-Mirror scene was perfect!).

Di antara semakin banyaknya film horor yang mempertontonkan kesadisan dan seksualitas, The Conjuring 2 adalah film horor yang paling aman untuk ditonton bersama anak anda dalam segala usia.

Distopiana’s Choice: 4 out of 5.

2. The Wailing, directed by Na Hong-jin.

Production Budget: N/A
Worldwide Box Office: $51,252,403 (est. 19/09/2016)

Bisa dibilang, The Wailing adalah sebuah kombinasi apik antara Memories of Murder dan The Witch dengan kearifan mistik lokal dari Korea Selatan. Disutradarai oleh Na Hong-jin (The Chaser, The Yellow Sea) film ini bercerita tentang sebuah desa kecil yang diserang wabah penyakit mematikan setelah kedatangan seorang lelaki misterius ke desa tersebut. Seorang detektif ceroboh bernama Jong-goo (diperankan oleh Kwak Do-won) yang ditugaskan untuk melakukan penyelidikan terhadap kasus tersebut malah berbalik menjadi korban tatkala anak perempuannya yang masih kecil ikut terjangkit wabah tersebut.

Biarpun dipenuhi dengan adegan-adegan yang keji, gila, dan agak disturbing, kengerian utama dalam film ini dihasilkan dari gaya penceritaan yang atmosferik dengan menempatkan elemen-elemes simbolis seperti burung-burung gagak yang mati, altar pemujaan setan dengan foto-foto misterius tertempel di dinding, serta iklim latar film yang sebagian besar diisi oleh hujan deras dengan awan yang gelap. Suspensi berlangsung dengan efektif dari awal film sampai akhir. Dalam dua jam lebih durasi film, setidaknya ada tiga plot twist di setiap titik pergantian babak. Kita akan dibuat curiga oleh semua tokoh dan kesal terhadap karakter Jong-goo yang tidak pernah bertindak rasional dalam menghadapi masalah (padahal dia seorang detektif) sampai pada akhirnya kita mengetahui bahwa semua hal tersebut merujuk kepada persoalan yang lebih besar dari sekadar praktik guna-guna.

The Wailing adalah sebuah film mystery-supernatural-horror yang pekat dan padat oleh atmosfer yang mengerikan. Cocok bagi kamu yang sudah bosan terhadap film-film horor dengan skenario yang sketched dan mengandalkan jump scare sebagai senjata utamanya.

Distopiana’s Rating: 4 out of 5.

3. The Shallows, directed by Jaume Collet-Serra.

Production Budget: $17,000,000
Worldwide Box Office: $116,055,707 (est. 19/09/2016)

Nancy Adams (diperankan oleh Blake Lively), seorang mahasiswi Fakultas Kedokteran, pergi berlibur ke pantai terpencil untuk berselancar dan melipur lara setelah kematian sang Ibu tercinta. Saat sedang asyik bermain ombak di atas papan, tiba-tiba seekor hiu putih raksasa menyerang Nancy, menggigit kakinya, dan membuatnya terjebak di tengah batu karang besar di lautan bersama seekor burung camar yang ia beri nama Steven Seagull (nggak, burung camarnya nggak bisa Wing-Chun, mohon maaf).

Saat kita berpikir bahwa era film-film monster telah usai, Jaume Collet-Serra menghadirkan kembali kengerian teror serangan hiu buas dengan pendekatan yang sangat milenial di film The Shallows. Kenapa saya bilang milenial? Karena variasi komposisi shot, camera movement, dan editing yang terdapat di film ini mengingatkan saya pada video-video bertema paradise adventure yang sering diunggah para travel vlogger seperti Nainoa Langer, Giarro Giarratana, atau konten-konten viral marketing GoPro di YouTube. Bahkan bisa dibilang, hal tersebut lah yang menjadikan film ini unik dan berbeda dibanding film shark attack lain. Semua elemen lain yang terdapat di film ini sebenarnya sangatlah familiar bagi penonton, yaitu lanskap pantai yang memanjakan mata, eksploitasi pesona tubuh wanita, dan penggabungan premis ‘isolation terror‘ (Buried, 127 Hours, Gravity) dengan ‘monster terror’ (Lake Placid, Deep Blue Sea, Anaconda, Jaws). Selebihnya, tidak ada perbedaan yang signifikan, tapi dengan penyutradaraan yang solid dari Jaume Collet-Serra, The Shallows mampu menjadi sebuah wahana jungkir balik yang segar dan menyenangkan bagi para penikmat film horror-thriller.

Distopiana’s Rating: 3 out of 5.

4. Don’t Breathe, directed by Fede Alvarez.

Production Budget: $9,900,000
Worldwide Box Office: $107,028,781 (est. 19/09/2016)

Bila seorang kakek tua mencoba menghabisi nyawa tiga orang anak muda yang berusaha untuk membunuh si kakek dan merampok rumahnya, siapa yang akan kamu salahkan? Hal inilah yang menjadi premis utama Don’t Breathe, film horror-thriller arahan sutradara Fede Alvarez. Dari adegan pembukaan pun, film ini sudah menegaskan untuk tidak bertele-tele dan langsung berangkat pada inti cerita: pembantaian tanpa ampun.

Tidak ada momen percintaan dramatis, tidak ada percakapan sok cerdas, hanya pembantaian dan kejar-kejaran.

Pengenalan terhadap keempat tokoh utama pun benar-benar dilakukan seminimal mungkin dan plot langsung masuk ke dalam permasalahan bahkan sebelum lima belas menit pertama berakhir. Dengan plot yang menyerupai Wait Until Dark, Don’t Breathe dikemas sesempit dan sepadat mungkin dengan sentuhan Panic Room dan Inside sehingga menjadi sebuah film yang, seperti judulnya, akan membuatmu sulit untuk bernafas.

Kekuatan utama film ini terdapat pada efektifitasnya dalam memanfaatkan premis yang standar dan lokasi yang minimalis menjadi kengerian klaustrofobik yang tanpa henti sepanjang pertunjukan berlangsung. Don’t Breathe dengan cermat memanfaatkan kompleksitas moral dan idiot plot untuk memaksimalkan potensi horor dari home-invasion thriller yang sudah banyak sekali dibuat. Teknik sinematografi yang digunakan Don’t Breathe juga cukup unik untuk sebuah film horror-thriller. Daripada memanfaatkan efek shaky camera atau fast-cutting untuk memicu ketegangan, Pedro Luque, sang sinematografer, cukup menggunakan teknik konvensional dengan pergerakan kamera yang mulus, komposisi yang rapi, dan penyuntingan yang jeli terhadap momentum. Plot-twist yang muncul di awal babak ketiga film pun cukup menambah sensasi kekacauan tokoh Pak Tua dan kelinglungan moral penonton, meskipun memang menimbulkan banyak kontroversi dari berbagai pihak. Namun jika kamu sedang mencari film horror-thriller yang tidak banyak basa-basi, Don’t Breathe adalah pilihan yang sangat tepat buatmu.

Distopiana’s Choice: 4 out of 5.

5. Train to Busan, directed by Yeon Sang-ho.

Production Budget: $8,500,000
Worldwide Box Office: $99,067,452 (est. 13/9/2016)

Film zombie sudah ada sejak tahun 1932, dibuat secara independen dan dengan bujet yang sangat terbatas oleh Victor dan Edward Halperin. Kendati demikian, George Romero-lah yang pertama kali mempopulerkan zombie sebagai medium kritik sosial politik lewat Night of The Living Dead. Generasi Y dan Z mungkin akan lebih familiar dengan The Walking Dead (serial TV) dan World War Z, namun harus diakui, Train to Busan akan menjadi salah satu film zombie sarat kritik sosial yang sangat berkesan dalam pengalaman mereka menonton film horor.

Seorang fund manager bernama Seok-woo (diperankan oleh Gong Yoo) terjebak di dalam sebuah KTX bersama anaknya (Kim Soo-an) saat epidemik misterius yang membuat manusia berubah menjadi zombie menyebar di seluruh Korea Selatan, termasuk di dalam KTX yang mereka tumpangi. Bersama seorang calon ayah dan istrinya yang sedang hamil serta sepasang muda-mudi SMA yang saling mencintai, mereka harus bertahan hidup hingga kereta sampai di Busan, satu-satunya kota yang berhasil bertahan dari serangan wabah.

Setelah The Wailing, Don’t Breathe, dan The Shallows yang menggabungkan dua premis dan referensi film berbeda, Train to Busan juga bagaikan sebuah kombinasi apik antara Snowpiercer dan World War Z, lagi-lagi dengan kearifan lokal Korea Selatan yang terkadang penuh dengan dramatisasi yang klise. Ada banyak drama sosial yang diangkat di sini, dan meskipun porsi melodrama di babak ketiga film akan membuatmu sedikit mengernyitkan dahi, skenario yang dirancang sangat apik dan kokoh sejak permulaan sampai akhir film ini akan tetap berhasil membuatmu menyanyikan lagu “Aloha Oe” sambil menangis tersedu-sedu saat keluar dari bioskop. Disutradarai oleh Yeong San-ho, seorang mantan komikus yang juga pernah membuat film animasi Seoul Station, Train to Busan menghadirkan sebuah horror-thriller dengan pengadeganan yang elok dan tokoh-tokoh yang mampu membuat emosi kita bercampur aduk sepanjang film berlangsung. Meskipun ada Gong Yoo dan Jung Yu-mi yang pernah bermain di Silenced, namun tokoh yang berhasil menyajikan cita rasa yang beragam di film ini adalah Sang Hwa, sang calon ayah bertubuh besar (diperankan oleh Ma Dong-seok) dan Yong Suk, sang COO pengecut (diperankan oleh Kim Ui-seong).

Sebenarnya, inti dari kemantapan Train to Busan adalah kritiknya yang efektif dan lugas tentang strata dan fungsi sosial. Hal ini sebenarnya sudah dimunculkan saat Sang Hwa berkata pada istrinya bahwa Seok-woo itu lintah darat, namun kritik sosial selanjutnya dimasak dengan lezat dan cantik di babak kedua, saat skenario penumpang gerbong belakang versus depan dimulai. Dalam sekejap, horor klaustrofobik pun berubah menjadi drama politik sentimental tentang masyarakat yang mudah disetir opininya saat rasa takut mengancam mereka. Dalam situasi yang telah dibangun tersebut, Yeong San-ho pun menggunakan logika penyelesaian yang mengingatkan saya pada Ran, film dari Akira Kurosawa.

“In a mad world, only the mad are sane.” – Kyoami, Ran (1985).

Beberapa persoalan yang bersifat ilmiah dan rasional di film ini memang memiliki banyak permasalahan, namun dengan subteks ‘pengorbanan’ yang menjadi landasan utama skenario film ini (dan tanggal rilisnya yang kebetulan berdekatan dengan Hari Raya Idul Adha), Train to Busan adalah film horror-thriller yang sangat menghibur dan cocok untuk ditonton bagi semua orang untuk mendalami esensi dari pengorbanan sebagai bentuk dari rasa cinta dan kasih sayang terhadap kemanusiaan.

Distopiana’s Rating: 4 out of 5.

 

N.B.: Semua data kuantitatif bersumber dari IMDb.com, BoxOfficeMojo.com, dan The-Numbers.com.

THE SUNSHINE BLOGGER AWARDS 2016

Suatu kehormatan bagi Distopiana untuk bisa turut serta meramaikan The Sunshine Blogger Awards 2016–yang kalau tidak salah pertama kali dicetuskan oleh Paskalis Damar lewat blognya, Sinekdoks. Terima kasih atas nominasi yang telah diberikan oleh Amelia Puteri, orang di belakang blog keren berjudul Marry The Fiction. Terakhir, kami juga harus berterima kasih kepada Jack Dorsey, karena tanpa Twitter, kami tidak akan pernah bisa mengenal orang-orang sekeren mereka.

Distopiana saya cetuskan pertama kali dua tahun yang lalu, saat saya sedang magang di salah satu korporasi yang bergerak di bidang sociopreneur sebagai social media specialist. Mulai awal tahun 2016 ini, saya menggaet Bunga Maharani, teman penulis yang saya temui sewaktu terlibat dalam proyek Gemuruh oleh Jakarta Movement of Inspiration (JKTMoveIn). Tidak kami duga-duga, Distopiana mendapatkan apresiasi yang cukup baik dari kawan-kawan blogger dan penggemar film di media sosial. Kami sangat senang dengan kenyataan bahwa ada orang di luar sana yang menyukai celotehan kami tentang film-film yang berkesan di hati kami.

Oh, ya, saat ini, Bunga sedang sibuk menjalani orientasi mahasiswa baru di Universitas Udayana. Mari kita doakan semoga orientasi serta keseluruhan perkuliahannya berjalan lancar.

Now let me put the main rules of this award here:

  1. Post the award on your blog.
  2. Thank the person who nominated you. (thank you Amel!)
  3. Answer the 11 questions they set you.
  4. Pick another 11 bloggers. (and let them know they are nominated)
  5. Set them 11 questions.

So, here’s Tommy’s answer to the questions set by Amelia Puteri from Marry The Fiction.

  1. What is the last movie you have watched?
    Train to Busan.
  2. Based on the answer #1, tell me the reason why you choose to watch that movie?
    My colleagues in Iris Worldwide (Mbak Nurina, Mbak Romaria, Mbak Wulan, Bani, Enrico) loves horror movies. We have planned this movie trip as the film was highly recommended by Mbak Wulan, who really loves zombie movies. She ever took her 5 year old daughter to routinely watch The Walking Dead with her. Extreme mother, she is.
  3. Talking about awards, choose one: to watch The Academy/Oscars or Grammy?
    Oscars of course. I barely watched Grammy.
  4. Give me your “Top 5” actors and/or actresses!
    Ingrid Bergman, Julianne Moore, Philip Seymour Hoffman, Robin Williams, Jared Leto (f*ck Suicide Squad).
  5. Make a playlist of songs you listen when you are heartbroken!
    a. Bon Iver – I Can’t Make You Love Me.
    b. Labrinth – Jealous.
    c. Bright Eyes – Lover I Don’t Have to Love.
    d. Nine Inch Nails – Hurt.
    e. Damien Rice – My Favorite Faded Fantasy.
    f. Radiohead – True Love Waits.
    g. Jeff Buckley – Hallelujah.
    h. D’Masiv – Cinta ini Membunuhku.
    i. Bright Eyes – Lua.
    j. Beck – Guess I’m Doing Fine.
    h. Frightened Rabbits – Keep Yourself Warm.
  6. What is the last book you’ve read? Any kind of book works.
    “O” by Eka Kurniawan.
  7. Based on the answer #6, choose one sentence from the book that really grabs your attention/interesting!
    “Huh, manusia. Dari sampah kembali ke sampah.”
  8. If you could travel around the world, name a place you want to visit!
    Anywhere on the Northern Hemisphere. Norway is preferrable.
  9. Which one would you choose: the ability to go back to 5 years ago, or go forward to your future 5 years later?
    The ability to go back to 5 years ago and fix everything I’ve done wrong.
  10. Post your inspirational quote(s) you got from any movie!
    “I came.” – Happiness (1998).
  11. Last, watching a movie via streaming or download/torrent? (Ignore the speed of your internet connection)
    Torrent mostly, but I stream via Netflix once. Never tried illegal streaming site, because their compressed video resolution mostly sucks.

Untuk selanjutnya, saya akan menominasikan blog-blog berikut:

  1. Rekomendeath
  2. Tonight’s Read
  3. Cinemaudy
  4. PicturePlay
  5. Review Luthfi
  6. Catatan Icha Hairunnisa
  7. Si Ochoy
  8. Ruang Benak Ruby
  9. Dibaca Aja
  10. Yudo Nugroho

Saya harus mengosongkan satu slot karena teman-teman blogger saya tidak begitu banyak dan ada beberapa pula yang sudah dinominasikan oleh blogger lain.

*POST EDITED: MENAMBAHKAN DIBACA AJA DAN YUDO NUGROHO KE DALAM LIST BLOG NOMINATIONS.

11 pertanyaannya adalah:

  1. Apa film terakhir yang membuat Anda merasa feel-good?
  2. Jika ada production company yang cukup gila untuk memberikan modal 200 Juta US Dollar untuk Anda memproduksi sebuah film, film seperti apa yang akan Anda buat?
  3. Jika Anda harus memerankan seorang public figure dalam sebuah film biopik, siapa public figure yang menurut Anda cocok untuk Anda perankan?
  4. Berdasarkan pertanyaan #3, siapa aktor/aktris yang anda inginkan untuk memerankan kekasih sang publik figur?
  5. Buatlah sebuah playlist lagu yang dapat membangkitkan rasa percaya diri Anda!
  6. Sebutkan novel/komik yang sangat Anda inginkan untuk diadaptasi menjadi sebuah film!
  7. Berdasarkan pertanyaan #6, siapa yang Anda inginkan untuk menyutradarai film tersebut?
  8. Sebutkan 3 film terburuk yang pernah Anda tonton!
  9. Sebutkan 3 sekuel/prekuel film yang sangat anda inginkan untuk terwujud!
  10. Jika suatu saat Anda harus berubah menjadi seekor binatang dan Anda diharuskan untuk memilih, Anda ingin menjadi binatang apa?
  11. Terakhir, jika anda diberikan kesempatan untuk kembali ke masa lalu dan mengubah sejarah peradaban, peristiwa apa yang akan anda ubah?

You can nominate other bloggers by passing it to them – I’m really thanking you for that, or just answer these questions on my comment section. But it’s better to pass it on, believe me.

Selamat bersenang-senang!

Mimpi Anak Pulau (2016) – Mendayung Mimpi

Ada tiga penyakit terbesar yang biasanya menjangkiti film-film Indonesia, terutama yang bertema triumph of the spirit. Ketiga penyakit tersebut adalah: narasi yang pretensius, naskah yang preachy, dan eksploitasi tokoh dengan hagiografi demi menyesuaikan arus pasar (quoting PicturePlay). Sinema Indonesia belakangan ini seperti kehilangan arah dalam menentukan ciri khas mereka dari segi visual, naratif, dan kontekstual cerita sehingga terkesan pretensius karena seperti ada ambisi untuk menyamai Hollywood. Lihat saja Rudy Habibie yang terkesan mengimitasi The Imitation Game dan menjadikan tokoh Rudy sebagai sosok utama yang sempurna, pusat dari tata peredaran tokoh-tokoh ‘pelengkap’ lainnya. Ada juga Modus Anomali, film Indonesia yang tidak ingin menjadi Indonesia, meskipun Joko Anwar pada akhirnya membayarnya dengan telak di film A Copy of My Mind. Perfilman Indonesia terlalu sibuk mencoba menjadi Hollywood sampai mereka lupa bagaimana rasanya saat Laskar Pelangi sukses menghajar belantika bioskop tanah air dengan kehangatan yang jujur dan otentik, tanpa pretensi dan kesan menceramahi.

Diadaptasi dari novel karya Abidah El-Khalieqy, Mimpi Anak Pulau bercerita tentang seorang bocah laki-laki bernama Gani (diperankan oleh Daffa Permana), anak pertama dari Rabiah (diperankan oleh Ananda Lontoh) dan Lasa (diperankan oleh Ray Sahetapy) yang tinggal di pesisir pantai Nongsa, Pulau Batam. Gani menjalani masa kecilnya dengan penuh semangat dan harapan meski kenyataan yang dia hadapi sering berujung pahit, apalagi setelah ayahnya meninggal. Kerasnya hidup tidak berarti apa-apa bagi Gani. Terkadang ia menangis di pelukan ibunya, tapi ia tidak pernah lupa untuk tetap bangkit dan mencari cara untuk mengejar mimpinya: menuntut ilmu dan membeli sepatu baru.

Secara teknis, Mimpi Anak Pulau memang sangat jauh bila harus dibandingkan dengan Laskar Pelangi. Struktur naratifnya pun bisa dibilang berantakan akibat terlalu sering mengambil sekuens inset yang (mungkin) sengaja ditujukan untuk memperkuat konteks, sehingga jalan cerita menjadi cenderung inkoheren dan penonton awam akan sulit mencerna apa yang sebenarnya ingin diceritakan film ini pada babak pertama dan kedua. Harus diakui dan juga dipuji, Kiki Nuriswan dan Ichsan Zulkarnain sudah berusaha keras membangun dramatisasi kisah nyata yang penuh kehangatan dengan believable sekaligus relatable, namun beberapa kalimat dialog terkesan sangat textbook, seakan dicomot langsung dari novel tanpa penyesuaian dengan akting dan reading dari para pemerannya, dan itu akan sedikit mengganggu bagi penonton yang peka dan senang memperhatikan hal-hal kecil. Film ini juga hampir terjangkit virus hagiografi karena Gani, sang karakter utama, lagi-lagi ditempatkan sebagai pusat tata edar tokoh-tokoh pembantu lainnya. Sekuens epilognya pun, aduh, dirancang dengan sangat lemah sehingga terlihat seperti iklan-iklan properti Agung Sedayu Group atau semacamnya. Entah, mungkin karena kekurangan bujet atau terlalu terburu-buru dalam mengeksekusi ide mentah.

Untungnya, banyak aspek dari Mimpi Anak Pulau yang menjadikan film ini cukup istimewa dan menyenangkan untuk ditonton. Pertama: lewat otentisitas yang berhasil diciptakan oleh gaya bertutur yang hangat dan berani untuk menjadi Indonesia, tidak peduli apapun latar belakang para penonton, mereka akan merasa sangat relate dengan keluguan Gani. Inilah yang mencegah terjangkitnya Mimpi Anak Pulau dari virus hagiografi. Karakter Gani berhasil menjadi utuh lewat perangainya yang tengil namun juga norak bila dihadapkan dengan hal-hal yang di luar batas pengetahuannya. Kedua: Ada beberapa adegan yang biasanya sangat rentan diisi dengan kalimat-kalimat preachy, yaitu sewaktu Gani sedang belajar di sekolah dan saat di pengajian. Untungnya, penulis naskah dan sutradara berhasil menjadikan kedua adegan tersebut hanya berfokus pada pemaparan detail karakter dan turning point dari plot, bukan pada penanaman pesan moral (yang sayangnya masih banyak dijadikan patokan bagus atau tidaknya sebuah film). Ketiga: Kerja sinematografi dan penyuntingan serta color grading yang harmonis dalam kesederhanaan akan mampu menyempurnakan keindahan latar Pulau Batam tahun 70-an di mata para penontonnya. Saya harus memuji salah satu adegan yang menunjukkan Gani dengan abangnya, Kodir, mendayung sampan menyeberangi pulau sambil diombang-ambing oleh badai di tengah malam. Terlihat sangat otentik dan nyata, seperti mereka memang melakukan pengambilan gambarnya di tengah laut. Keempat: Kombinasi akting Ray Sahetapy dan Ananda Lontoh di babak pertama mengejutkan saya. Sungguh. Di babak kedua dan ketiga pun istri dari Attar Syah ini masih tampil dengan prima, membuat mata para penonton tak bisa lepas darinya saat ia berada di dalam frame. Saya pikir Ananda Lontoh harus terlibat lebih banyak lagi di film-film besar Indonesia selanjutnya agar ia menemukan sutradara yang mampu membawanya ke batas tertinggi kemampuan aktingnya.

Setelah Laskar Pelangi, Mimpi Anak Pulau merupakan film yang hangat, otentik, dan penting untuk ditonton bagi seluruh orang Indonesia, terutama bagi para praktisi pendidikan dan pembangunan daerah tertinggal di Indonesia. Kenapa? Agar kita semua sadar bahwa mensinergikan pembangunan dan pendidikan demi menuntaskan hak bersekolah para anak di daerah tertinggal jauh lebih penting daripada membangun mal-mal megah di perkotaan dan menyalahkan rusaknya moral mereka akibat terlalu terpengaruh budaya konsumtif dan kebarat-baratan.

Distopiana’s Rating: 3 out of 5.

Suicide Squad (2016) – #SquadFails

Sebelum saya memberikan ulasan, saya harus menyatakan sebelumnya bahwa saya mempunyai kepedulian yang besar terhadap masa depan film-film DC Comics. Sekitar Agustus tahun lalu, saya pernah menulis tentang bagaimana DC Comics akan mampu mengimbangi Marvel Studio dalam segi konsep penuturan cerita. Maka dari itu, seburuk apapun saya akan mengulas film yang sudah saya nanti-nanti sejak tahun lalu ini, itu semua karena saya peduli. Hal yang sama juga berlaku pada kritikus Rotten Tomatoes yang ingin diboikot oleh para penggemar fanatik DC Comics karena dituduh selalu menjelek-jelekkan film DCEU. Saya yakin mereka semua juga sebenarnya peduli, dan bahwasanya harus dimengerti bahwa kritik film bukan hanya bertujuan untuk melindungi dompet penonton dari film buruk, namun juga bertujuan untuk menyelamatkan para produsen film dari malapetaka yang mungkin tidak mereka sadari ada di dalam film yang mereka buat. Jangan berpikiran seperti Cara DeLevingne yang bilang bahwa kritikus film membenci film superhero, padahal mereka pernah memberi nilai yang luar biasa bagus pada film The Dark Knight, yang notabene merupakan film superhero dari DC Comics.

Suicide Squad dibuka dengan pengenalan bertahap setiap penjahat super dengan mengeksposisi backstory mereka satu persatu mulai dari Deadshot (diperankan oleh Will Smith), Harley Quinn (diperankan oleh Margot Robbie), Captain Boomerang (diperankan oleh Jai Courtney), Killer Croc (diperankan oleh Adewale Akinnuoye-Agbaje), Enchantress/June Moone (diperankan oleh Cara DeLevingne), dan El Diablo (diperankan oleh Jay Hernandez). Tidak hanya para penjahat, namun para pelaksana proyek yaitu Rick Flag (diperankan oleh Joel Kinnaman) dan Amanda Waller (diperankan oleh Viola Davis) juga mendapat giliran perkenalan. Terlalu banyak tokoh? Setuju, apalagi dengan diperparah oleh pola penyuntingan yang berantakan dan tidak terkonsep dengan baik sehingga menjadikan keunikan karakter para tokoh tersebut saling tumpang tindih dan sulit untuk dinikmati.

Jika sebuah film action-adventure menawarkan sekumpulan penjahat kelas kakap dengan kekuatan super, seorang kolonel tangguh dan perkasa, dan seorang pemimpin bertangan dingin untuk mempertahankan sebuah kota dari serangan teror misterius, akan lebih bijak jika sutradara dan penulis skenario memanfaatkan keahlian unik masing-masing dari mereka semua untuk merancang sebuah skenario pertempuran yang tidak hanya epik, namun juga otentik dan ikonik. Entah apakah ini salah David Ayer sebagai sutradara dan penulis, ataukah salah Warner Bros. Executive yang terkenal senang mengintervensi visi sutradara dengan argumen yang labil, namun setiap adegan pertempuran di film ini menjadi sangat monoton karena hanya terdiri dari tembak-menembak, pukul-memukul, tebas-menebas, dan bakar-membakar. Brutal memang, jika berbicara tentang jumlah kerusakan yang dihasilkan, namun dilakukan dengan gaya yang terlalu konvensional, minim kecerdasan, dan tanpa emosi, seperti layaknya kita temukan di Man of Steel dan Batman v Superman: Dawn of Justice. Beberapa penjahat seperti Captain Boomerang, Katana, dan Slipknot menjadi hampir tidak berguna karena kekuatan spesial yang mereka miliki tidak dimanfaatkan sebagaimana mestinya di film ini. Well, we just can’t have them all, right?

Yang menjadi penyelamat film ini adalah penampilan Margot Robbie, Will Smith, dan Jay Hernandez. Dengan penggambaran tokoh yang tepat sasaran, mereka berhasil membuat film ini menjadi lebih berwarna dengan kehangatan dan humor jenaka yang tidak pernah kita temukan di DCEU sebelumnya. El Diablo sukses menjadi kuda hitam dengan karakter dan backstory yang mampu menarik simpati kita tanpa perlu bersusah payah ingin terlihat keren, gila, dan edgy seperti para tokoh yang lain. Ada satu adegan di mana para penjahat beserta komandan regu duduk dan minum bersama di dalam sebuah bar yang tak berpenghuni kemudian berdiskusi tentang kejahatan mereka di masa lalu. Biarpun pembicaraan lagi-lagi hanya didominasi oleh Deadshot dan El Diablo, namun ironisnya adegan eksplorasi karakter ini justru menjadi satu-satunya adegan yang menarik di dalam Suicide Squad, dan bukan salah satu di antara adegan baku tembak dan hantam. Finale-nya pun, aduh, nggak banget, apalagi ditambah dengan akting Cara DeLevingne yang sangat buruk dan treatment third act yang sangat kacangan.

Satu hal yang paling dinanti-nanti Suicide Squad adalah keberadaan The Joker yang diperankan oleh sang maestro Jared Leto. Ada satu permasalahan yang sangat vital yang saya temukan pada The Joker di Suicide Squad, yaitu pada penggambaran hubungannya dengan Harley Quinn. Tidak salah jika kita mengharapkan hubungan yang abusif dan manipulatif di mana Joker selalu memperdaya Harley dengan cinta yang palsu, karena memang origin story mereka dari komik ke komik seperti itu. Bicara soal moral, hubungan abusif dan manipulatif tidak seharusnya diromantisasi, karena hal tersebut merupakan isu yang serius dan sering terjadi di kehidupan nyata. Itu kalau bicara soal moral. Lain lagi dari sudut pandang komersil. Pernah mendengar betapa suksesnya buku-buku dan film The Twilight Saga serta Fifty Shades of Grey? Ditambah dengan banyaknya remaja tanggung yang memuja betapa ‘kerennya’ hubungan mereka berdua, sudah pasti Suicide Squad akan menjangkau pasar lebih luas jika romantisasi itu diterapkan. Warner Bros dan DC Comics nampaknya setuju akan hal ini, jadi ya, mereka meromantisasi hubungan mereka berdua, tentunya dengan pendekatan yang—urgh—cheesy dan soundtrack seduktif submisif dari Kehlani sebagai lagu ‘peresmian’ hubungan mereka berdua. Hasilnya adalah crazy-love-cheesy-manipulative version of The Joker. Yak, betul, jika kamu mengharapkan versi The Joker yang filosofis, kuat, dan penting seperti versi Heath Ledger di The Dark Knight, kamu akan amat sangat kecewa.

Lagipula The Joker tidak akan berfungsi dengan sempurna jika tidak berhadapan dengan Batman.

Banyak yang bilang, penonton Suicide Squad yang kecewa alasannya adalah karena berharap terlalu banyak. Jujur, saya kecewa, tapi saya pikir saya tidak berharap terlalu banyak. Saya hanya mengharapkan sebuah film dengan konsep yang solid dan konsisten, dan Suicide Squad terlalu keras mencoba untuk menjadi brutal dan “pop” secara bersamaan sehingga malah berakhir berantakan dan dangkal. Bagi penonton film santai, mereka tentu akan menikmati kegilaan Harley, humor kebapakan Deadshot, dan asiknya soundtrack lagu-lagu pop yang memenuhi film. Namun percayalah,  film ini tidak akan menjadi lebih dari tiga hal tersebut.

Distopiana’s Rating: 2 out of 5.

Koala Kumal (2016) – Patah Hati dan Konsistensi Realita

Setiap drama sejatinya adalah studi kasus tentang emosi manusia, dan setiap komedi sejatinya menyampaikan studi kasus tersebut dengan kritis dan menggelitik. Laurence Olivier, aktor Inggris pada abad ke-20, pernah berkata bahwa,

“The office of drama is to exercise, possibly to exhaust, human emotions. The purpose of comedy is to tickle those emotions into an expression of light relief; of tragedy, to wound them and bring the relief of tears. Disgust and terror are the other points of the compass.”

Bicara tentang Koala Kumal berarti bicara tentang Raditya Dika. Saya pernah berdiskusi dengan kerabat sesama film blogger, Picture Play, dan kami bersepakat bahwa Raditya Dika mempunyai potensi untuk menjadi Woody Allen-nya Indonesia. Mereka berdua mempunyai keresahan terhadap hal yang sama: cinta dan budaya berkencan di daerah asal mereka masing-masing. Mereka sama-sama dengan mudah menerjemahkan keresahan mereka lewat bahasa komedi mereka masing-masing (Woody nihilis, Dika sarkastis). Sayang, ada satu hal yang menjadi kekurangan besar Dika: ia terlalu nyaman bermain di ranah aman, di kerak sebuah persoalan tanpa berani menggali ke dalam inti sehingga pesan yang ingin ia sampaikan terkesan lemah dan tidak kritis.

Seperti yang telah tercantum di tagline, film komedi romantis ini berkisah tentang perjalanan seorang Dika untuk mendewasakan dirinya lewat patah hati. Putus cinta di ujung tanggal pernikahan, Dika mencoba untuk ‘move-on’ dengan berbagai cara yang konyol dan garing dibantu oleh Trisna (diperankan oleh Sheryl Sheinafia) yang tomboy. Judul Koala Kumal sendiri diambil berdasarkan kisah nyata seekor Koala dari New South Wales yang pulang kembali ke rumahnya di hutan setelah ditebangi. Ia kebingungan saat sampai karena rumah yang dulu ia naungi tidak lagi sama baginya. Ia merasa asing, seperti saat kamu mencium bau kamar yang biasa kamu tiduri menjadi seperti bau orang lain.

Film ketiga yang ia sutradarai setelah Marmut Merah Jambu dan Single ini mengalami peningkatan sinematik yang cukup signifikan. Dika seperti mulai mengerti bagaimana caranya menggunakan camera movement, komposisi, serta momentum editing untuk membuat sebuah komedi visual yang klasik dan tetap segar ditonton. Soal plotting dan cara Dika menyajikan setiap adegan dengan warna tematik dan kontekstual yang kental patut diacungi jempol. Sekuens yang paling saya sukai adalah saat adegan Dika datang ke rumah Trisna untuk minta penjelasan sampai kemudian selesai di adegan Dika lumpuh di atas panggung. Skema dramatik cerdas yang dibumbui referensi humor klasik ala-ala Marx bersaudara dan Warkop DKI inilah yang membuat saya menyandingkan dia dengan seorang Woody Allen.

Saat menonton film ini di bioskop, saya menyaksikan langsung hampir semua orang yang menonton tertawa terbahak-bahak di setiap momentum jokes. Mungkin, cuma saya yang tidak tertawa, meskipun saya mengagumi kecerdasan Dika dalam menulis materi komedi yang berbicara secara sarkastis dan realistis (meskipun kurang kritis) tentang budaya berpacaran pemuda Jakarta yang memang tidak jelas. Tapi saya tidak tertawa. Maka dari itu, saya mencari tahu alasan kenapa jokes Dika yang menurut saya cerdas itu tidak berhasil menggelitik saya, dan saya menemukan jawabannya. Saya tidak bersimpati pada tokoh-tokoh di film ini karena saya tidak bisa mempercayai karakter mereka, termasuk Dika sendiri. Karakter-karakter mereka bersifat dua dimensi dan cenderung tidak konsisten dengan realita yang dibentuk oleh cerita. Jika Dika berencana membuat alam cerita yang dipenuhi dengan karakter komikal seperti Trisna dan James, maka tokoh Andrea dan Kinara yang karakternya sangat aktual dengan gadis-gadis di kehidupan nyata tentunya adalah sebuah kesalahan fatal yang menggoyahkan keajaiban make-believe cerita Koala Kumal. Dialog antar tokoh pun terlalu cheesy, teeny-kind-of-preachy soal cinta tanpa ada ulasan yang lebih dalam dan kritis tentang meninggalkan dan ditinggalkan. Alhasil, kemampuan film Koala Kumal dalam memberikan kritik romantika remaja dengan pesan pendewasaan emosional sama lemahnya seperti nasihat perbaikan sebuah hubungan dari teman SMA kamu yang jumlah mantan pacarnya sudah sampai dua digit.

Seniman dengan bakat sehebat apapun, apabila berkarya dengan tidak jujur dan setengah hati, maka hasilnya tidak akan maksimal. Saya melihat Dika sebagai orang cerdas dengan bakat luar biasa yang—sayangnya—terjebak dalam pengkultusan publik yang melihat dirinya lewat persepsi yang salah. Sedari awal, orang mengenal Dika sebagai blogger yang eksis lewat humor-humornya tentang kejombloan dan cinta monyet…atau brontosaurus. Setelah saya menonton Koala Kumal, saya semakin yakin bahwa Dika sebenarnya adalah seorang yang kritis, sedikit misantropis, dan mempunyai idealisme kuat yang sayangnya terkekang oleh konsistensi dari realita kehidupannya. Ada beberapa detail mise-en-scene yang sempat mencuri perhatian saya, salah satunya adalah kutipan Anais Nin, seorang tokoh esais abad 20 yang terkenal frontal, yang menghiasi dinding kamarnya. Cara dia mengalegorikan kehidupan koala New South Wales dengan pasangan yang balikan setelah patah hati juga membuktikan bahwa Dika sebenarnya punya kedalaman batin yang jauh melebihi dialog-dialog medioker yang ia tulis di film ini.

Namun jika ia tidak berani untuk mengambil langkah keluar dari zona aman, gagasan-gagasan besarnya tentang cinta dan patah hati akan membusuk di dalam kenyamanan selebritas dan popularitasnya.

Distopiana’s Rating: 2 out of 5.

Ada Apa Dengan Cinta 2 (2016) – Penebus Rindu

Hal yang paling dibenci setiap manusia adalah menunggu tanpa kepastian yang jelas. Kita semua mengerti dan pernah merasakan hal itu, maka saat Miles Film mengumumkan bahwa sekuel dari Ada Apa dengan Cinta resmi ditayangkan setelah empat belas tahun lamanya, hampir semua penikmat film Indonesia yang pernah hidup menyaksikan film romansa paling ikonik di Indonesia tersebut langsung antusias menyambutnya. Mereka tidak hanya ingin tahu bagaimana kabar Rangga dan Cinta serta Geng Mading SMA yang digawangi Cinta, Milly, Karmen, Maura, Alya, dan Mamet. Sebagai penikmat film Indonesia yang sudah terlalu lama terlena dengan film-film ‘asing’ yang selalu menjajah bioskop mereka, sebagian besar dari mereka juga berharap akan adanya plot twist yang unik dan menggemparkan di antara hubungan kedua pecinta sastra tersebut.

Sebagian dari mereka mungkin terlalu berharap banyak. AADC 2 yang kini disutradarai langsung oleh Riri Riza memang menghidupkan kembali nostalgia romansa terbaik yang pernah Indonesia miliki dengan lembut dan manis tanpa ada satu hal pun yang harus dilebih-lebihkan. Semua tokoh lama AADC tampil prima dengan charm dan karakteristik mereka masing-masing, kecuali tokoh-tokoh baru yang sayangnya hanya dijadikan tempelan agar cerita yang tidak bergerak kemana-mana ini terkesan progresif dan dinamis.

“Lihat tanda tanya itu, jurang antara kebodohan dan keinginanku untuk memilikimu sekali lagi.”

Sama halnya seperti Cinta di film ini, cerita di AADC 2 tidak move-on ke arah yang seharusnya. Bisa dikatakan bahwa AADC 2 hanyalah sebuah medium storytelling yang menceritakan tentang apa yang terjadi dalam kurun waktu 14 tahun setelah akhir film AADC dan sebelum awal film AADC 2. Fungsi dari film ini hanyalah sebagai penebus rindu bagi para penggemarnya, atau seperti yang PicturePlay katakan, “brand continuation effort“. Sebagaimana penebus rindu berfungsi, film ini terlalu banyak berbicara tentang masa lalu. Adapun pembahasan masa depan yang hanya terdapat di paruh akhir act 3 film dapat diibaratkan layaknya MSG yang menjadi solusi tepat dan ‘murah’ kalau sang koki tidak yakin masakannya cukup enak untuk disukai banyak orang.

Namun, jangan salah paham. Mengatakan film ini buruk dan tidak layak untuk ditonton adalah sebuah hiperbola yang kejam dan tidak beralasan. Justru, plot film yang ‘terlihat-seperti-maju-namun-nyatanya-mundur‘ ini akan mampu mengiris-iris hati mereka yang masih belum bisa move-on dari hubungan mereka sebelumnya, baik yang pernah terjadi maupun yang hanya angan-angan saja. Aspek sinematografi, naskah, soundtrack, dan akting para tokoh pun sebenarnya sudah jauh dari kata buruk. Awalnya pada act 1, sangat jelas terlihat dari ritme editing dan dialog antar tokoh bahwa AADC 2 linglung dan pincang seperti orang yang baru saja berolahraga kembali setelah lebih dari empat belas tahun bermalas-malasan. Namun menjelang pertemuan Cinta dan Rangga kembali, film ini mulai mendapatkan nyawa yang seharusnya sudah hidup sejak awal cerita. Belum lagi ditambah rangkaian puisi indah yang ditulis oleh Aan Mansyur yang mampu menjadikan film ini memiliki subteks yang berlapis-lapis. Banyak yang berpendapat bahwa beberapa adegan saat pertemuan kembali Rangga dan Cinta terkesan klise dan kesinetron-sinetronan, namun penulis sendiri malah berpendapat bahwa cara Riri Riza menyajikan adegan ‘kesinetron-sinetronan’ tersebut dengan gaya satir dan komikal menunjukkan bahwa ia punya tujuan mulia untuk menghidupkan sedikit humor sarkastik di tengah pekatnya kegalauan yang meracau di film ini.

Besarnya antusiasme masyarakat pada AADC 2 yang membuat film ini mampu meraih 700 ribu penonton di hari ketiga penayangannya telah memberikan harapan bagi kebangkitan industri perfilman Indonesia akan kepercayaan penonton terhadap film-film yang mereka produksi. Tentu, penulis juga berharap hal ini akan berdampak positif pada perkembangan kualitas film romansa Indonesia, karena seharusnya dari kasus AADC 2 ini, para produser film Indonesia pun bisa belajar bahwa penonton film Indonesia tidak harus selalu disodori superfisialitas agar bisa menyukai film romansa. Sebagai sekuel penebus rindu, AADC 2 telah mempersembahkan sebuah nostalgia cinta yang manis, tulus, dan penuh warna tanpa pretensi dan pernyataan cinta yang berlebih-lebihan.

Namun layaknya sebuah penebusan rindu, film ini tidak akan membawamu kemana-mana kecuali ke masa lalu.

Distopiana’s Rating: 3 out of 5.

The Jungle Book (2016) – The Future of Storytelling

Sepanjang sejarah peradaban, manusia tidak pernah berhenti membuat cerita dan menceritakannya kepada satu sama lain. Sejarah mencatat bahwa cerita tertua yang pernah dibuat oleh manusia berasal dari Mesopotamia kuno, dibuat pada tahun 2700 SM di atas sebuah tablet iPad batu dengan judul The Epic of Gilgamesh yang mengisahkan tentang petualangan seorang manusia setengah dewa yang membangun kota Uruk dan kemudian berkelana untuk mencari tetua Utnapishtim. Seiring berkembangnya zaman dan teknologi, manusia juga selalu mencari cara untuk memodernisasi gaya bercerita mereka agar relevan dengan tren dan konteks sosiopolitik masyarakat di zaman mereka saat itu. Bukan hanya kecanggihan teknologi pada medium yang dieksplorasi, namun juga dari teknik dan struktur bercerita. Sebut saja Troy (2004) yang mengadaptasi Iliad dan Noah (2014) yang merujuk pada banyak versi kitab suci mengenai The Great Flood.

The Jungle Book pun merupakan salah satu kisah lama yang sudah beberapa kali diadaptasi dengan medium serta teknik dan struktur bercerita yang berbeda-beda. Rudyard Kipling, seorang jurnalis dan novelis asal Inggris, pertama kali menulis dan mempublikasikan cerita tersebut pada tahun 1894 sebagai hadiah untuk putrinya, yang dua tahun kemudian meninggal dunia di usianya yang keenam.

Sama halnya seperti Iliad dan The Great Flood, The Jungle Book menjadi cerita yang legendaris dan banyak menjadi bahan adaptasi oleh beberapa pihak (khususnya Hollywood) ke dalam medium bercerita yang berbeda-beda. Pertama kali cerita ini diangkat ke layar lebar oleh Korda bersaudara pada tahun 1942, lalu oleh Walt Disney dibuat versi animasi 2D pada tahun 1967 yang kemudian di-remake ulang menjadi live-action film pada tahun 1994.

Berdasarkan rentang zaman yang ditempuh setiap versi adaptasi (1942-1967-1994), adalah keputusan yang tepat untuk menciptakan kembali nostalgia antar-generasi dan meremake ulang The Jungle Book di tahun ini, tentunya dengan pendekatan yang relevan dengan kemajuan teknologi dan sinematografi di zaman ini.

Saat pertama kali melihat trailernya, penulis menganggap film ini tidak jauh berbeda dengan film kombinasi live action dengan CGI-Animation yang sudah kebanyakan dibuat oleh Hollywood sebelumnya (Avatar, Star Wars Ep. I-III, Scooby Doo, Alvin and The Chipmunks). Agaknya tidak perlu diingatkan lagi bahwa kecanggihan teknologi yang digunakan pada sebuah film tidak selalu menentukan bagus atau tidaknya film tersebut.

Namun saat menonton The Jungle Book langsung di teater IMAX 3D, penulis takjub setengah mati.

Bisa dibilang, film yang disutradarai oleh Jon Favreau ini sangat kuat dan all-out mengeksplorasi ketangkasan bercerita. The Jungle Book tidak semata-mata memanfaatkan CGI sebagai senjata utamanya, namun juga dalam segala aspek lain, baik dari framing composition sampai ke ranah scoring dan sound mixing. Biarpun fokus film ini hanyalah ‘menceritakan kembali’, namun kekuatan skrip yang diiringi dengan akting hebat seorang Neel Sethi sebagai Mowgli dan juga penampilan voice-over yang memukau dari para bintang ternama Hollywood seperti Idris Elba, Bill Murray, Christopher Walken, dan Scarlett Johansson berhasil membuat film ini menjadi sebuah remake langka yang melampaui kualitas para pendahulunya.

Yang menarik dari The Jungle Book versi Jon Favreau kali ini adalah keberanian Disney untuk membuka kegelapan yang dahulu disembunyi-sembunyikan dari cerita aslinya dan menggunakannya sebagai bumbu yang mampu menggetarkan jiwa para penontonnya untuk menangkap konteks environmental dan humanisme yang digaungkan film ini dengan efektif. Kita akan dibawa terlalu larut ke dalam rimba sehingga kita merasa ngeri saat adegan di mana Mowgli berhasil menuju desa dan melihat manusia-manusia yang mengelilingi ‘bunga merah’ besar yang menyala di tengah alun-alun. Terlebih lagi, bentuk para tokoh-tokoh hewan yang didesain begitu realistis dan buas ternyata tidak membatasi Jon Favreau untuk membangun karakter-karakter mereka menjadi tetap kuat dan komikal secara bersamaan. Lihat saja bagaimana Akeela, Shere Khan, Baloo, dan King Louie menghidupkan keberadaan mereka lewat dialog dan gaya berbicara yang sangat kental oleh ciri khas dan karakter masing-masing. Realisasi desain rimba dan semua tokoh hewan yang ada di film ini pun secara tidak langsung membuat para penonton mampu merasakan secara real-time experience betapa hutan rimba dan segala makhluk-makhluk buas yang ada di dalamnya pantas untuk dicintai dan dilindungi sepenuh hati.

Dan bahwa kita, manusia, adalah makhluk yang jauh lebih ganas daripada hewan.

Singkat kata, film ini adalah contoh nyata dari pemanfaatan CGI yang tepat guna serta efektif dalam penceritaan lewat medium film. Seperti yang penulis katakan pada ulasan Eye in The Sky lalu, kemajuan teknologi—layaknya perang dan bencana alam—adalah hal yang tidak dapat dihindari, begitu juga tren serta habit para penonton film. Tidak ada yang salah dari CGI, asal penggunaan teknologi ini ditujukan untuk mendobrak batas-batas ide bercerita manusia serta mendukung penyampaian konteks dengan jauh lebih efektif kepada para penontonnya. Bukan hanya sekedar gimmick mimesis, tapi sebagai pendukung diegesis. Saatnya kita berhenti untuk berpura-pura menjadi hipster wannabe dan mulai mengakui bahwa penggunaan CGI sebagai pendukung dalam post-produksi sebuah film akan menjadi hal yang lebih lazim dilakukan di masa depan bukan hanya oleh para produsen film Hollywood, namun juga para indie filmmaker.

Amin.

Distopiana’s Rating: 5 out of 5.

Eye in The Sky (2016) – Rethinking War

Apa yang muncul di dalam pikiran kalian saat pertama kali mendengar ‘film perang‘? Jika kalian penonton film kasual, tentu jawaban kalian adalah ‘ledakan’ dan ‘baku tembak‘. Namun jika kalian penggemar berat film perang sejak zaman All Quiet on The Western Front, pasti kalian menjawab ‘anti-war’ atau ‘propaganda’. Dalam buku Alternative Scriptwriting: Beyond the Hollywood Formula yang secara mendetail dan sistematik membahas tentang formula bercerita film-film Hollywood, Ken Dancyger dan Jeff Rush, dua orang peneliti dan teoris film, menuliskan rangkuman dari keseluruhan analisis mereka tentang film perang secara umum,

“The war film genre is a national melodrama; these films are about transgression and power. How does the individual survive intact, physically and mentally? How are we, the audience, to feel about a particular war, or about war in general?”

Ada dua macam moral purpose yang biasa diselipkan ke dalam konteks pembantaian di dalam film-film perang pada umumnya. Kedua moral purpose itu dapat kita bedakan dari bagaimana cara film-film tersebut menggambarkan medan peperangan.

1. Propaganda & Patriotism: Film-film perang yang mengandung moral purpose ini biasanya selalu berfokus pada bipolarisme ‘kawan dan lawan’ serta nilai-nilai patriotisme yang dibela oleh sang karakter utama mati-matian. Medan peperangan biasanya diperlihatkan sangat seru dan memacu adrenalin di film ini, sehingga para penonton pun akan melihat tokoh utama di pihak ‘kawan’ sebagai seorang patriot sejati dan orang-orang di pihak ‘lawan’ sebagai musuh yang nyata bagi umat manusia. Ex: Rambo, American Sniper, Why We Fight series.

2. Anti-War: Meskipun terdengar seperti oxymoron, namun film perang anti-war adalah jenis film yang cukup populer meskipun tidak diproduksi dengan frekuensi yang masif karena memang tujuan utamanya bukan untuk meraup keuntungan besar. Film-film ini mengkritik kekejaman dan ketidakbergunaan perang dengan cara menggambarkan para karakter (tidak ada bipolarisme ‘kawan’ dan ‘lawan’ di sini) sebagai manusia-manusia kurang beruntung yang terjebak di dalam medan perang yang brutal, sadis, mencekam, dan tidak beradab. Ex: Full Metal Jacket, Apocalypse Now, Saving Private Ryan.

Secara mengejutkan, Eye in The Sky sukses untuk keluar dari kedua ‘zona nyaman’ tersebut dengan membuka sebuah perdebatan sengit tentang hasil serta konsekuensi moral dan politik dari sebuah aksi peperangan terhadap terorisme. Alih-alih menggambarkan pembantaian sebagai sesuatu yang ‘patriotis’ ataupun ‘tidak manusiawi’, film yang disutradarai oleh Gavin Hood ini memperlihatkan sebuah pembantaian sebagai sesuatu yang ‘necessary‘ dan ‘inevitable‘.

Saat sedang melakukan misi pengintaian lewat drone di sebuah rumah yang ternyata merupakan markas teroris di Kenya, Col. Katherine Powell (diperankan oleh Helen Mirren) dan Lt. Gen. Frank Benson (diperankan oleh mendiang Alan Rickman) harus berhadapan dengan sebuah situasi genting di mana mereka harus merudal para teroris yang sedang mempersiapkan operasi bom bunuh diri di dalam rumah tersebut. Kondisi menjadi semakin menegangkan saat tiba-tiba seorang gadis kecil datang dan kemudian berjualan roti tepat di luar pagar rumah tersebut. Bermacam argumen muncul dari berbagai pihak yang terlibat dalam operasi tersebut yang akan memancing dan memprovokasi pemikiran penonton tentang apakah hasil dari aksi penumpasan terorisme ini akan sebanding dengan luka dan nyawa yang harus dibayar gadis kecil itu dan orang tua mereka kelak.

Film ini mengandalkan suspensi yang ditimbulkan oleh konflik argumen dari tiga perspektif yang berbeda: militer, politik, dan sipil. Secara mengerikan, kamu tidak akan menemukan argumen yang terdengar salah. Ada kalanya kamu setuju atas dasar manusiawi bahwa teroris-teroris itu seharusnya ditangkap serta diadili dan anak kecil yang ada di luar pagar tersebut tidak seharusnya mati. Namun ada kalanya kamu juga setuju bahwa demi menyelamatkan nyawa ratusan orang, gadis kecil tersebut mau tidak mau harus menjadi martir. Terdengar apatis dan bahkan cenderung hipokrit, memang, tapi seperti itulah pertimbangan keputusan yang terjadi di saat-saat peperangan. Lewat kutipan dari seorang tragedian asal Yunani Kuno, Aeschylus, film ini telah memberikan ‘forewarning’ di awal film agar kita bersiap-siap untuk menghadapi hal tersebut.

“In war, truth is the first casualty.”

Seorang diktator Uni Soviet bernama Joseph Stalin pernah berkata, “The death of one man is a tragedy, the death of one million is a statistic.”  Eye in The Sky bukanlah sebuah film perang konvensional yang naif berteriak-teriak ‘we should fight to defend peace’ atau ‘we should avoid war at any cost‘. Film ini membuka mata para penontonnya untuk melihat ruang sempit di antara kedua pesan moral yang saling beririsan tersebut, bahwa perang–layaknya kemajuan teknologi dan bencana alam–adalah suatu hal yang tidak bisa dihindari, dan keputusan yang paling bijak untuk diambil dalam sebuah situasi peperangan adalah untuk menghindari terjadinya statistik, bukan tragedi.

Oh, dan penulis patut memuji penampilan Hellen Mirren, Barkhad Abdi, Aaron Paul, serta si kecil Aisha Takow yang sangat memukau di film ini. Terkhusus untuk Alan Rickman, penulis berharap bahwa penampilan terakhirnya di film ini dapat membawa reputasinya jauh lebih luas dari semesta Harry Potter dan membuatnya dikenal oleh para milenial sebagai salah satu aktor Inggris paling berpengaruh di abad 21, bukan hanya sebagai Professor Snape.

Distopiana’s Rating: 5 out of 5.

10 Cloverfield Lane (2016) – The Lesser, The Better

Kamu pernah pacaran dengan orang yang selalu mengekangmu dan membuatmu tidak nyaman? Pernah berpikir bahwa kamu malah bisa lebih meningkatkan kualitas dirimu apabila kamu jomblo? Tenang, jangan baper dulu. 10 Cloverfield Lane mempunyai masalah yang kurang lebih sama denganmu.

Jika kamu seseorang yang enak dilihat, berpenampilan sahaja, berkelakuan baik, serta cerdas dalam akal dan akhlak, begitu pun analogi dari film yang disutradarai oleh Dan Trachtenberg ini. Sejak sekuens pembuka sampai di paruh pertama act 3, film ini berhasil menciptakan ketegangan-ketegangan sederhana lewat sentralisasi karakter Howard yang utuh namun misterius secara bersamaan. Malah bisa dibilang, inti dari kekuatan cerita ini ada pada karakter yang diperankan oleh John Goodman tersebut. Plot device lain, seperti bunker sempit yang mengurung ketiga karakter tersebut (Michelle, Howard, Emmett), berbagai properti aneh yang bernaung di dalamnya, lubang udara yang sempit, serta dunia luar yang misterius berhasil dimainkan dengan logika-logika cerdas untuk membangun claustrophobic horror yang efektif membuat para penonton sulit bernafas serta menduga-duga siapa sebenarnya Howard dan apa rencana besar yang ia miliki. Penulis tidak akan menceritakan rangkuman sinopsisnya karena semakin sedikit yang kamu tahu tentang 10 Cloverfield Lane, akan semakin seru pula film ini untuk kamu tonton pertama kali, dan bahkan akan tambah menegangkan apabila kamu belum menonton Cloverfield sama sekali.

“Crazy is building your ark after the flood has already come.” – Howard.

Sebenarnya, di situlah permasalahan terbesar 10 Cloverfield Lane. Meskipun kita sebelumnya tidak diberi tahu apakah film ini merupakan sekuel, prekuel, atau sekedar spin-off dari Cloverfield, setidaknya lewat keterlibatan Matt Reeves, Drew Goddard, dan J. J. Abrams kembali di film ini kita sudah tahu bahwa film ini memiliki keterkaitan dengan film found-footage sci-fi horror tersebut. Bahkan dari judul film dan promosi pun sebenarnya sudah sangat eksplisit, yang di dukung pula oleh trailer yang mengaksentuasikan ‘Cloverfield’ saat menampilkan judulnya. Sangat disayangkan film ini tidak bisa dinikmati secara keseluruhan oleh semua orang karena branding ‘Cloverfield’ tersebut membuat twist keren di akhir film menjadi sesuatu yang sudah sepatutnya diharapkan ada oleh mereka yang sudah menonton Cloverfield terlebih dahulu.

Jika kita boleh berandai-andai, ada dua skenario yang bisa membuat film ini menjadi sebuah thriller yang lebih solid dan exceptional.

  1. Apabila film ini tayang terlebih dahulu sebelum Cloverfield, film ini akan menjadi sebuah snowball marketing untuk film Cloverfield yang akan ditayangkan beberapa tahun setelahnya. Secara visual, 10 Cloverfield Lane pun memang terlihat seperti indie low-budget sci-fi film yang akan memancing studio besar untuk membiayai versi blockbuster-nya, yang mana adalah Cloverfield itu sendiri. Terlebih, pertanyaan-pertanyaan besar yang ditimbulkan oleh film minimalis ini bahkan jauh lebih banyak dan membuat penasaran ketimbang Cloverfield yang skalanya sudah terlalu masif melibatkan seluruh kota dan pangkalan militer.
  2. Apabila film ini sama sekali tidak memiliki keterkaitan cerita dengan Cloverfield, maka ending film akan dapat digarap dengan lebih matang sehingga twist yang tercipta akan jauh lebih tak terduga (jangan lupa, kita hanya berandai-andai).

Jika kamu orang yang peka, kamu akan merasakan bahwa di paruh kedua act 3, film ini terlihat seperti tidak nyaman bereksplorasi sehingga kapasitas kecerdasan skenario di ending pun menurun drastis. Dari hal berikut, dapat disimpulkan bahwa tanpa branding ‘Cloverfield’ ataupun alur cerita yang harus selalu mengacu pada film tersebut, film ini akan mampu dianalogikan sebagai high-quality (minimalist) jomblo yang mungkin mampu bersinar lebih terang menjadi salah satu film sci-fi horror terbaik di tahun 2016 ini. Itu jika kamu orang yang peka.

Entahlah, mungkin penulis hanya sedang butuh kepekaan seseorang saja akhir-akhir ini.

Distopiana’s Rating: 2.5 out of 5.